La Phármaco, cuerpos de hoy para ‘La voz de nunca’

Si Samuel Beckett siempre vuelve, es porque su obra es inagotable. Esto que digo es una obviedad bien sabida: ante un autor que analizó y representó sin contemplaciones la tragicomedia contemporánea, las lecturas son siempre actuales. La obra de Beckett es inagotable porque la condición humana es inagotable, más aún cuando él nos habló de una condición humana que se anunciaba, en sí misma, agotada.  Se entiende entonces que Beckett siempre vuelva, y que nosotros volvamos sobre él, no como homenaje (o no necesariamente), sino como un retorno inevitable sobre nosotros mismos.

 

Con ‘La voz de nunca‘ La Phármaco vuelve sobre Beckett, pero vuelve sobre todo para bailar esa tragedia latente en su obra, la que no cesa en nuestro presente; en palabras de la compañía, para bailar «el Beckett que anticipa la tragedia contemporánea (del siglo XX pero sobre todo de nuestro siglo), en la que el sentimiento romántico se sustituye por el mito de la nada: el hombre se enfrenta con su insignificancia para rendirle culto; la nueva religión exige sus propios ritos.» Inspirándose en Esperando a Godot, la compañía propone una nueva lectura de la obra en la que –a pesar de servirse de los elementos básicos del texto, la estructura de dos actos y los personajes de la pieza beckettiana–, lo fundamental parece ser poner sobre la escena la cuestión de la condición humana que se revelaba en Beckett… y que inevitablemente se nos sigue revelando. Es por eso que ‘La voz de nunca’ tiene mucho de «obra original», como ejercicio creativo y propuesta escénica que no mira hacia atrás para hacer una representación de lo que fuimos, o una representación de la representación, sino para insistir en lo que somos, seguimos siendo, quizá a nuestro pesar. Prescindir de la literalidad del texto supone trabajar con lo que hay debajo de las palabras. Es lo que hace esta pieza, que indaga en la voz de Beckett desde la música, el movimiento y la dramaturgia, elementos de una propuesta de conjunto, que mantiene la tensión de principio a fin a través sobre todo de la acción de los cuerpos, de un discurso coreográfico cargado de fuerza y fisicidad, a la vez que de trabajo interpretativo.

 

Sobre el escenario, los cuatro intérpretes que bailan a Estragón, Vladimir, Lucky y Pozzo, muestran el egoísmo y la insignificancia de estos personajes que transitan en sus  roles más o menos fuertes o débiles, en ese juego casi aleatorio entre la alienación y la lucha de poder. Sus gestos y sus movimientos encarnan la soledad, la pesadez, la angustia y la desesperanza de una sociedad de seres humanos agotados; cuatro cuerpos muy distintos forman sin embargo un conjunto de soledades que a ratos se encuentran y marchan en comparsa, como si nada dependiese de ellos. Han comprendido, quizá, que les ha tocado vivir la incomprensión. Como todas las grandes obras que trascienden a su tiempo, Esperando a Godot hablaba de una verdad. En la pieza de La Phármaco esa verdad es el elemento clave que articula su propuesta. La compañía despliega así una poética propia para traer a Beckett a la danza, y la experiencia funciona sobre el escenario: si bien los códigos son muy distintos (y no sólo porque pasemos del texto al movimiento), ‘La voz de nunca’ recupera la lectura de Esperando a Godot para traerla a nuestros días. No recupera la literatura, sino el ejercicio de lectura. Por eso, antes que la palabra escrita, lo que nos llega es la voz de Beckett. Una voz que habla de la condición humana y revela, una vez más, esa verdad que sigue apuntando a nuestro tiempo. La vergüenza más esencial de todas, la que sentimos simplemente por ser humanos, atraviesa a los intérpretes y toca al espectador.